Энди Уорхол «Авария зеленой машины»

Антикварные аукционы

Рынок антикварного искусства

Энди Уорхол «Авария зеленой машины»

Энди Уорхол «Авария зеленой машины»

Торговля антиквариатомживописью - одно из наиболее прибыльных направлений коммерческой деятельности. Состоятельные коллекционеры готовы заплатить весьма солидные суммы за произведения искусства. Например, на аукционе Кристис в 2007 году картина Энди Уорхола «Авария зеленой машины» была продана за 71,7 млн. долларов, а в 2008 «Пруд с кувшинками» Клода Моне — за 84 млн. долларов, и это далеко не самые рекордные цены.
Торговый дом «Кристис» можно считать ветераном и одним из лидеров в области продажи произведений искусства. Аукционные дома Кристис и Сотбис контролируют 90% рынка продаж антиквариата и произведений живописи во всем мире. Но именно владелец «Кристис» первым организовал продажу произведений искусства. Создатель этого аукционного дома — Джеймс Кристи-старший имел профессию, не имеющую ни малейшего отношения к миру искусства, он был морским офицером. Организованная им первая продажа состоялась в Лондоне в 1766 году, предприятие оказалось очень выгодным, и вскоре в распоряжении Джеймса Кристи было помещение со специальным аукционным залом. Представители английской аристократии, королевской семьи, в случае необходимости, именно здесь продавали свои коллекции антикварной живописи. Бурный расцвет аукциона Кристис приходится на начало 50-х годов XIX века, после революции 1848 года началась так называемая эпоха «великих распродаж».
Именно Джеймсу Кристи удалось продажу антиквариата сделать настоящим искусством. Аукционный дом Кристис проводил наиболее значительные аукционы XVIII и XIX веков. Кстати, именно с этим торговым домом связано начало создания замечательной коллекции живописи Эрмитажа. Джеймс Кристи был посредником при приобретении Екатериной II коллекции картин сэра Роберта Валпола, именно она стала основой коллекции живописи музея Эрмитаж. В 1823 главный офис Кристис был перенесен на Кинг-стрит, возле Сент-Джеймского дворца. В 1975 году владельцы аукциона открыли дополнительный офис в Южном Кенсингтоне. Сейчас «Кристис» — частная компания, которая принадлежит миллиардеру из Франции Франсуа Пино. Ежегодно аукционный дом организовывает более 450 торгов, располагает 54 офисами в тридцать одной стране.

Продажа антиквариата — основные аукционные дома

Следующий лидер в области торговли произведениями искусства - аукционный дом Сотбис. Он был основан продавцом книг Сэмюэлем Бейкером. Первый аукцион был проведен им в 1744 году, тогда же был опубликован первый каталог книг с указанными в нем фиксированными ценами. С 1754 года торговый дом Бейкера располагает своим аукционным залом. На протяжении ста лет этот аукционный дом занимался исключительно продажей книг. Тогда приобретение редких книжных изданий было чрезвычайно популярно у состоятельных людей. Именно Сотбис организовал продажу многих известнейших библиотек, например, библиотеку князя Талейрана, библиотеку Наполеона, герцога Йоркского. В 1767 году у Бейкера появляется партнер — Джордж Ли, человек с прекрасным художественным вкусом и опытный аукционист. Несколько позже к работе в фирме присоединяется племянник Сэмюэля Бейкера — Джон Сотбис. С 1778 года аукционный дом стал именоваться Сотбис. С этого времени диапазон коммерческих интересов фирмы значительно расширился: антиквариат, гравюры, монеты, мебель вошли в круг её интересов, но основной сферой торговли все равно оставались книги.
Между двумя крупнейшими торговыми домами Сотбис и Кристис существовало негласное соглашение: живопись относилась к сфере интересов Кристис, но эта фирма уступала все книги Сотбис. До 1913 года в основном это соглашение соблюдалось, но было нарушено Сотбис. Ими был продана картина Франка Хальса «Мужской портрет», за портрет была заплачена очень большая по тем временам сумма — 9000 фунтов стерлингов. В 1917 году впервые была осуществлена крупная продажа, включавшая не только книги и антикварную мебель, но и старинные картины, живопись современных художников.

Франк Хальс «Мужской портрет»

Франк Хальс «Мужской портрет»

В 1955 году было открыто представительство Сотбис в Нью-Йорке, а в 1964 году была приобретена аукционная фирма «Парк-Бернет», которая специализировалась на продаже произведений искусства. С тех пор живопись прочно вошла в сферу интересов Сотбис, сейчас особенно активно филиал Сотбис — «Парк-Бернет» занимается продажей картин импрессионистов и модернистов. До начала 80-х годов Сотбис напоминал своего рода закрытый клуб, но современный рынок диктовал свои условия. Почти обанкротившийся аукционный дом Сотбис в 1983 году приобрел американский бизнесмен Альфред Таубман. Сейчас Сотбис — крупнейший аукционный дом по продаже произведений искусства. Ежегодный оборот капитала составляет более миллиарда долларов, клиентами Сотбис является вся мировая элита.

Третьим крупнейшим аукционным домом является Бонхамс, он универсален по диапазону продаваемых товаров. В сферу интересов Бонхамс входят более 70 категорий товаров: это машины, вина, музыкальные инструменты,  антикварная живопись, современная живопись. Основной офис расположен в Лондоне. Основали Бонхамс в 1793 году дилер гравюр Т. Додд и книжный антиквар В.Бонхам. В 2000 году этот аукционный дом был приобретен торговым домом Brooks, а в 2001 компания объединилась с аукционной фирмой Phillips Son & Neale. Сейчас аукционный дом осуществляет более чем 700 продаж, он обладает своим аукционами в США, ЮАР, Австралии, Гонконге.
Доротеум - аукционный дом наиболее популярный в немецко-говорящих государствах. Основатель его — австрийский император Иосиф I, Доротеум был открыт в 1707 году в Вене. В среднем этот аукционный дом проводит более 600 торгов в год. Филиалы его расположены в Зальцбурге, Праге, Милане.
Особенностью аукционной компании МакДуглас является её специализация на русском изобразительном искусстве. Это единственный зарубежный аукцион с такой специализацией. Он был основан в XVIII в. МакДугласу принадлежат несколько рекордов продаж советского авангардного искусства. В 2009 году состоялся, организованный компанией, крупный аукцион православных икон. Центральный офис МакДугласа расположен в Лондоне, есть филиалы в Москве, Париже, Киеве.
Среди старейших в мире аукционных домов стоит упомянуть Стокгольмский аукционный дом. Он был основан в 1674 году. Среди клиентов этого аукционного дома — король Карл XI, король Густав III, знаменитый шведский писатель А.Стриндберг. Стокгольмский торговый дом проводит в год 75 аукционов. Раз в год им проводятся аукционы, посвященные исключительно русскому искусству.
В Швеции находится еще один крупнейший аукционный дом — Буковскис. В сферу его интересов также входит продажа живописи. Буковскис был основан в 1870 году выходцем из Польши Хенриком Буковских. Сейчас считается одним из самых авторитетных торговых домов. С самого начала основания его и до наших дней приоритетным направлениям для этого торгового дома была продажа произведений искусства. В отличие от Стокгольмского торгового дома, имеющего филиалы только в Швеции, Буковскис имеет свои представительства во всем мире. Проводит, в среднем, четыре аукциона в год.

История антикварной живописи

Тяга к прекрасному

Антикварная живопись

Антикварная живопись

Если мысленно окинуть взором историю развития человеческой культуры, то нельзя не заметить очевидный факт: с самой глубокой древности и по сей день люди тяготеют к художественному творчеству. А ведь ни в одном древнем или современном обществе,  живущем по своим политическим, религиозным, социальным законам,  занятие  искусством — создание и потребление художественных ценностей — не являлось обязательным. Не может ли показаться парадоксальным, что дорогостоящее, не обладающее явной «полезностью» искусство, существует во все времена, в любом обществе и сила влияния его на человека просто поразительна. Конечно, антикварная живопись - прекрасное украшение интерьера, но это далеко не единственная роль, которую живопись играет в нашей жизни.

Искусство вообще и живопись в частности дарит нам эстетическое наслаждение, является одной из форм познания окружающего мира. Живопись помогает человеку приблизиться к истине, которая не поддается простой логической формулировке. Причем художественная ценность произведений живописи никак не зависит от степени её древности:  росписи на стенах пещеры Ласко, сделанные двадцать-тридцать  тысяч лет назад первобытным охотником не менее совершенна, чем живопись художников последующих эпох. Совершим небольшое путешествие в историю антикварной живописи.

Одной из основных причин возникновения живописи обычно называют присущее человеку стремление к красоте, к радости творчества. Но для первобытного художника живопись была еще и магическим обрядом. Древние охотники верили, что пронзив стрелой нарисованного зверя, они смогут обеспечить себе успешную охоту. Когда в конце XIX века были открыты росписи пещер Ласко, Альтамира, люди не могли поверить, что эти чудесные рисунки были созданы человеком палеолита. Например, рисунок бизона из пещеры Альтамира. Твердость руки и зоркость глаза древнего мастера, свободная эскизность и экспрессия позволяли сравнивать изображение бизона в пещере Альтамира с живописью импрессионистов.

О живописи Древнего Египта можно судить по росписям и  рельефам на стенах храмов, в захоронениях фараонов, они неплохо сохранились, благодаря сухому климату. На протяжении тысячелетий существования этой удивительной древней цивилизации, каноны искусства её оставались неизменными, подчеркивая незыблемость и неизменность данного богами мироустройства. Верхняя часть торса человека всегда изображалась в анфас, ноги, голова и руки – в профиль. Прием изображения перспективы не использовался, поэтому пейзажи древних египтян были несколько похожи картографические планы местности. Но изящество, мастерство и красота  древних росписей до сих пор вдохновляют художников. Например, создатели стиля арт-деко многие свои  идеи в области декоративного искусства заимствовали именно из живописи Древнего Египта. После многочисленных открытий археологов в начале ХХ века произведения древнеегипетского искусства попали в европейские музеи и частные коллекции. Древнеегипетский антиквариат очень ценится коллекционерами.

О живописи Древней Греции нам приходится судить по литературным источникам, сами живописные полотна, к сожалению, не сохранились. Известно, что в городах Сикионе и Фивы существовали академии живописи. В каждой из академий были свои традиции преподавания, свои, в совершенстве разработанные приемы живописи. О степени совершенства древнегреческой живописи можно судить по  дошедшему до нашего времени рассказу о споре двух художников – Зевксисе и Паррасии. Решая, кто из них более совершенный художник, каждый  нарисовал свою картину. Зевксис изобразил виноградную гроздь настолько хорошо, что пролетавшие птицы пытались клевать ягоды с живописного полотна. А Паррасий написал занавеску, которую Зевксис попытался отодвинуть, даже не догадавшись, что это изображение её, а не сама ткань.

Правда, об искусстве античных живописцев можно судить по ярким, прекрасным росписям Кносского дворца. Исчезнувшая в незапамятные времена Крито-Микенская культура обладала прекрасным искусством, фрески Кносского дворца, изображавшие изящных придворных дам (их археологи называли «парижанками»), царя-жреца, цветы -  до сих пор поражают своим совершенством.

Антикварная коллекционная живопись

Но  европейская живопись в нашем современном  понимании её сформировалась, конечно, в эпоху Возрождения. Антиквариат, живопись этой эпохи предмет мечтаний любого коллекционера. Такие титаны живописи, как  Джотто, Микеланджело, Боттичелли, Мантенья, Беллини, Тициан, Леонардо да  Винчи создали непревзойденные по мастерству живописные полотна. После глубоко религиозного христианского искусства Средних веков новшеством было использование сюжетов античной мифологии, появилось нерелигиозное, секулярное искусство. Радость жизни, восхищение красотой столь характерные для мировосприятия  людей Ренессанса, ярко воплотились в картине Сандро Боттичелли «Венера». Эта картина Боттичелли была создана по заказу Козимо де Медичи и предназначалась для виллы Кастелло, сейчас полотно хранится в галерее Уффици. Художник показывает античную богиню красоты в блистающей наготе, окутанную сияющими золотистыми волосами, только что рожденную из моря,  она приближается  к берегам Тосканы. В правой части композиции богиня весны встречает Венеру, протягивая ей украшенный маргаритками плащ. Её распущенные волосы развеваются на  ветру и сплетаются с листьями лавра – символом бессмертия. В левой части композиции – Зефир и Флора. Зефир создает ветер, подталкивающий раковину со стоящей на ней Венерой, к земле. Флора разбрасывает розы – символ богини любви. Современники Боттичелли узнавали в образе богини Весны красавицу Симонетту Веспуччи – возлюбленную  Джулиано Медичи. Но только иллюстрацией  сюжета античного мифа подтекст картины не исчерпывается. Флорентийцы, современники художника легко прочитывали еще одно значение этой антикварной картины: человечество высаживается на берег, который его принимает, человечество входит в цивилизацию. Художники Возрождения часто вкладывали в свои полотна несколько уровней смыслов. Например, внимательный зритель заметит, что раковина с сияющими створками, на которой стоит Венера, относится к одному из видов морских гребешков. Такую раковину называют «раковиной святого Иакова», она связана со сказаниями о жизни одного из самых почитаемых христианских святых. Раковину также считали символом бессмертия. Паломники, идущие поклониться мощам святого Иакова в Сантьяго-де-Компостелла, прикрепляют к своей шляпе или одежде такую же раковину. Греко-римский миф переплетается с утонченной христианской символикой, создавая множество ассоциаций. Возможно, бессмертие – та идея, которая связывает  сказания о святом Иакове с «Рождением Венеры», одним из самых прекрасных шедевров мировой живописи.

На смену оптимистичному и рациональному искусству Возрождения приходит динамичное, пышное и иррациональное искусство Барокко, которое затем сменяет строгий и гармоничный Классицизм.  Художники эпохи Романтизма  удивительно тонко передавали внутренний мир человека. Художники-импрессионисты, отвергая каноны академической живописи, стремились запечатлеть на своих полотнах  быстротекущее мгновенье. А их умение передать субъективное впечатление от красоты окружающего мира подготовило почву для модернистских направлений живописи начала ХХ века. Но в каком бы стиле, в какой  технике не работал бы художник, встреча с настоящей живописью  всегда помогает открыть зрителю  нечто новое, до сих пор неизведанное.

korovin-232x300

Константин Алексеевич Коровин

Первый русский импрессионист

Константин Алексеевич Коровин

Константин Алексеевич Коровин

Константин Алексеевич Коровин – один из известнейших русских художников конца XIX – начала ХХ века.  Его называют первым русским импрессионистом.

Живопись Коровина, его творческий метод, сама его личность по-прежнему вызывают острый интерес и даже споры. Выставки-ретроспективы его картин, антикварные живописные полотна в экспозициях музеев всегда привлекают множество посетителей.  О нем не судят равнодушно-почтительно, как о мэтре-классике. По этому  эмоционально- восторженному, а иногда критическому отношению видно, что его воспринимают скорее, как современника, чем как художника давно ушедшей эпохи.  И эта особенность может служить наивысшей оценкой творчества художника. Его полотна особенно ценятся на рынке антиквариата.

Если подойти внимательно к изучению биографии и творчества Константина Алексеевича, то можно с удивлением обнаружить, что этот виднейший художник начала ХХ века является и одним из самых загадочных из них. По многим фактам биографии у исследователей его творчества нет единого мнения, например, по поводу даты первой  поездки за границу или времени создания наиболее выдающихся полотен («У балкона», «портрет Т.С. Любатович»). Некоторые исследователи оспаривают даже  авторство Коровина серии автобиографических очерков, впервые опубликованных в Париже. Известно, что Константин Алексеевич был не только замечательным художником, но и талантливым писателем. Его мемуарами «Константин Коровин вспоминает» и сейчас зачитываются многие любители искусства. Современники называли Коровина  «веселым эпикурейцем» и «душой нараспашку», но многие годы знавший его проницательный А.Н.Бенуа писал: «Сколько в нем было прелести, природного прельщения! Он притягивал к себе, и так хотелось ближе с ним сойтись. В тоже время он сам никому «не давался» вполне, он уходил в свою скорлупу, но делал это, я бы сказал» с грацией, с обескураживающим юмором».

Родился Константин Алексеевич 11 ноября 1861 года в Москве. Отец – Алексей Михайлович происходил из семьи богатых купцов-старообрядцев традиционно занимавшихся ямщицким извозом. А затем и владеющими  извозчичьими трактами до Ярославля и Нижнего Новгорода. Семья была довольно состоятельной, но появление железных дорог сделало ямщицкий извоз ненужным, семья разорилась, и  Коровины жили очень скромно. Мать – Аполлинария Ивановна была из рода  дворян Волковых, она была музыкально одаренным человеком, прекрасно играла на арфе. И мать, и отец хорошо рисовали, друзьями семьи были известные художники Л.Л. Каменев и И.М.Прянишников. Художественная атмосфера семьи, одаренность Сергея и Константина Коровиных вдохновила братьев на поступление в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Преподавателями там тогда были прекрасные художники А.К.Саврасов, В.Г.Перов. Вторая половина девятнадцатого века была в России временем художников  «передвижников». Из-за влияния их  творчества ценилась сюжетная живопись, бытовой жанр. Пейзаж считали менее актуальным жанром, но именно он увлекал юного художника. Такие учителя как А. Саврасов, В. Поленов помогли научиться видеть природу, писать пейзажи. Именно от В.Поленова Константин Коровин впервые услышал об импрессионистах. Когда Василий Дмитриевич впервые увидел картины Коровина, он спросил: «Вы импрессионист?» Но тогда Константин Коровин еще даже не знал об этом направлении живописи, особое ощущение света и цвета, стремление передать мгновенье было внутренне присуще ему. Лишь несколько позже, в Петербурге художник  увидел работы художников-барбизонцев: Добиньи, Коро.

В 1883 году им был написан «Портрет хористки». Гармония чистых красок, блики света на платье и шляпке, игра воздуха и света на лице придавали девушке необъяснимое очарование. Коровиным была блестяще решена задача изображения модели в изменчивой и живой свето-воздушной среде. Правда, этот портрет настолько выходил из рамок привычной для того времени живописи, что даже В.Поленов посоветовал своему любимому ученику никогда не выставлять её.

Незадолго до окончания Коровиным училища В.Поленов познакомил  его с меценатом С.И. Мамонтовым. Так Константин Алексеевич стал членом Мамонтовского или Абрамцевского кружка, объединявшего талантливейших художников и любителей искусства. Под влиянием интереса к традициям русского искусства, театральному искусству  характерного для членов Абрамцевского кружка, Коровиным была написана картина «Северная идиллия». Художник также активно занимался театрально-декорационным искусством. Он становится ведущим декоратором Русской частной оперы С.Н. Мамонтова в Москве. Живая, творческая и новаторская атмосфера, характерная для артистов этого оперного театра, преимущественно молодежного по своему составу, воплощена в портрете Татьяны Любатович, ведущей солистки  театра.  Кстати, история создания портрета Любатович неясна. Портрет никогда не выставлялся при жизни художника, не упоминался им в переписке или мемуарах. О нем стало известно широкой публике только с 1926 года.

Конец 80-х годов XIX  века – период признания достижений Коровина. Появляются прекрасные полотна «У балкона. Испанки», «За чайным столом», «В лодке», «Улица во Флоренции», «Настурции». Коровина пригласили стать членом нового художественного объединения «Мир искусства».  Картина Коровина «За чайным столом» получила вторую премию  в номинации «жанровая живопись» на конкурсе Московского общества любителей художеств. Этот конкурс был своего рода смотром работ представителей новейшего русского искусства. Тогда же в 1888 году первую премию за портрет получила картина В. Серова «Девочка с персиками». Полотно Коровина вызвало много споров: его новая, импрессионистическая манера живописи, стремление к выявлению в  изображаемой натуре сиюминутного, но также и характерного озадачивала даже коллег-художников, не говоря уже о критиках. Константину Алексеевичу приходилось и впоследствии сталкиваться с непониманием его творческого метода некоторыми представителями художественной критики. Большим успехом пользовался проект художника, сделанный им в 1899 году для Международной выставки в Париже. Это был проект Кустарного отдела России, он был выполнен  в стиле русского северного деревянного зодчества, которое так увлекало  Коровина, когда он путешествовал по Северу России.

90-е годы были временем творческих исканий, трудов и достижений. Константин Алексеевич успевал работать в театре, преподавать в Строгановском училище и училище живописи, там он вел портретно-пейзажный класс. Коровин проектировал мебель, занимался живописью, делал эскизы для обоев и вел активную светскую жизнь. Особенно современники отмечали удивительное искусство художника в оформлении опер «Садко», «Фауст», «Конек-Горбунок». С 1903 года  Константин Алексеевич – художник Большого театра, с 1910 года – главный декоратор и консультант Московских императорских театров. Тем не менее, он успевал работать и как живописец. В это время были созданы полотна: «Бульвар Капуцинов», «Гурзуф», «Парижские огни», «Весна», «Портрет Шаляпина», «Лунная ночь. Зима», «Зимний пейзаж».

Русская живопись на рынке антиквариата

Первое десятилетие ХХ века – время широкого признания  творческих достижений К.А.Коровина. Но Первая Мировая война внесла свои коррективы, и Константин Алексеевич  отправился на фронт, он служил консультантом по маскировке, бывал на передовых. В эти же тяжелые годы произошел несчастный случай с сыном Коровина, мальчик стал инвалидом. Все эти события подорвали здоровье и самого Константина Алексеевича. Он переезжает с семьей в Крым. И, конечно, продолжает работать над новыми полотнами. Новые городские пейзажи, натюрморты, жанровые сценки свидетельствуют о расцвете мастерства художника. Константина Алексеевича связывала крепкая и давняя дружба  с Ф. Шаляпиным, из Крыма он писал Федору Ивановичу  «Я много работаю, ищу в живописи иллюзию и поэзию, желая уйти от внешнего мастерства».

В 1923 году К.Коровин с семьей уезжает за границу, во Франции он надеется вылечить сына, также есть перспективы организации персональных выставок. Но картины художника похищают, Коровину приходится выполнять даже недорогие заказы, чтобы поддержать семью.  За границей  Константин Алексеевич провел пятнадцать лет. Об этих годах жизни художника известно немного. В Парижских газетах русской эмиграции он публикует свои очерки о России, пишет картины, выполняет заказы театров Европы и Америки. Уходит из жизни К.А. Коровин в 1939 году.